Генератор русских имен — Случайные русские имена

Используйте этот Генератор русских имен, чтобы найти бесчисленное множество случайных русских имен для вашего следующего игрового приключения, истории или любого другого проекта. Наслаждаться!

Сгенерировать русские имена

Мужской Женский

0, processcoin: progressBar === 100, shimmer: progressBar > 0 && progressBar

Скопировано! Сохраненные идеи и многое другое

0″ @keypress.enter=»showMoreResults()» @click=»showMoreResults()»>Посмотреть предыдущие результаты ()

Скопировано!

• name»>

Откройте для себя все генераторы случайных имен Создайте свой собственный генератор случайных идей Изучите генераторы фэнтезийных имен Taleforge: Письменное упражнение

Ознакомьтесь со списком из 100 случайных русских имен

Какое значение имеют имена в русской культуре?

Русские имена являются очень важной частью русской культуры. Они часто даются детям при рождении и часто отражают профессию родителей или культурное происхождение. Русские придают большое значение именам и считают их очень личными вещами. Родители часто выбирают уникальные имена для своих детей, чтобы они выделялись из толпы. У некоторых русских детей даже больше одного имени!

Краткая история России

Россия – страна с уникальной и сложной историей, начинающейся с десятого века до наших дней. За столетия, прошедшие с момента ее образования, Россия пережила много успехов и неудач, от своего величия во времена царей и Советского Союза до мрачных времен во время различных войн и режимов, которые она пережила. Далее следует краткий обзор истории России.

История России восходит к средневековью десятого века, на территории, которая тогда была известна как Киевская Русь. Это было средневековое государство, расположенное в центре земель современной Украины, Белоруссии и части западной России. Киевская Русь была предшественницей нынешней Российской империи под властью династии Рюриковичей. В этот период началось формирование русской нации и государства, завершившееся коронацией Ивана Великого в 1462 году, который стал первым царем России.

Правление Ивана Грозного, Петра Великого и Екатерины Великой в ​​XVI, XVII и XVIII веках соответственно были одними из самых важных в русской истории. Петр I был известен расширением границ России и смешением восточного православия и западноевропейского стиля, а Екатерину II часто называют золотым веком страны. Этот период сменился эпохой Российской империи, во время которой Россия стала крупнейшей страной мира, с многочисленными территориальными завоеваниями в течение 19век.

Начало 20-го века ознаменовалось русской революцией, которая привела к падению царя и возникновению коммунизма и Советского Союза. В эту эпоху Советский Союз зарекомендовал себя как сверхдержава, проводившая интенсивную индустриализацию и стремившаяся распространить свое влияние по всему миру. Однако, несмотря на успехи страны в этот период, Советский Союз сильно пострадал от различных чисток, инакомыслия, социального и политического неравенства, что привело к его распаду в 1991.

С тех пор Россия пережила множество экономических потрясений, особенно во время финансового кризиса 1998 года. Однако в последние годы в стране также наблюдался экономический бум, рекордно высокие цены на нефть и проведение экономических реформ. Кроме того, современная политика России отмечена возвышением Владимира Путина и усилением государственного контроля над различными аспектами жизни общества. Если смотреть вперед, то будущее России остается неопределенным, но страна, несомненно, имеет долгую, богатую и сложную историю.

5 вопросов, которые помогут придумать русские имена

1. Какого пола имя?
2. Имя уникальное или обычное?
3. Есть ли какое-либо связанное влияние или культурное значение?
4. Существуют ли какие-либо определенные сочетания алфавита/слога, связанные с этим именем?
5. Существуют ли альтернативные варианты написания имени?

Могу ли я использовать случайные русские имена, которые создает этот инструмент?

Да, можете. Story Shack не претендует на авторские права ни на одно из этих имен, но, конечно, возможно, что некоторые из значений, предоставляемых этим генератором имен, уже принадлежат кому-либо другому, поэтому, пожалуйста, всегда проявляйте должную осмотрительность.

Сколько идей я могу сгенерировать с помощью этого Генератора русских имен?

Генератор русских имен может генерировать тысячи идей для вашего проекта, поэтому не стесняйтесь нажимать и в конце использовать удобную функцию копирования, чтобы экспортировать ваши русские имена в текстовый редактор по вашему выбору. Наслаждаться!

Какие хорошие русские имена?

В этом генераторе тысячи случайных русских имен. Вот несколько примеров для начала:

More на русские имена в Интернете

Не можете нарадоваться генерации русских имен? Тогда продолжайте изучать:

• reedsy. com
• publishingwithlove.com
• randomnamegenerators.com

Сохраненные идеи и многое другое

Вы заработали монету! Потратьте их, чтобы разблокировать дополнительные функции.

20 лучших художниц всех времен

Реклама — Продолжить чтение ниже препятствий (как и любая женщина в Париже конца 18-го века) и была активна в одни из самых неспокойных времен в европейской истории. С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую академию в возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов. Виже Лебрен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократок, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, впечатляюще получая заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию ​​после урегулирования конфликта.

На фото: Элизабет Луиза Виже-Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).

Getty Images

2

Мэри Кассат (американка, 1844–1926)

Одна из трех женщин-художников и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом. Состояния. Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь. Ее современная женщина искусно изображена на картине 1878 года 9.0192 В Ложе , первой импрессионистской работе художника, выставленной в США. Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как объекты для демонстрации, но главная героиня Кассат играет динамичную роль, наблюдая за происходящим. Тем не менее преобладает мужской взгляд, так как вдалеке седовласый театрал смотрит прямо на нее в собственный бинокль. Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.

На фото: Мэри Кассат, В ложе (1878 г.), МИД Бостона.

Getty Images

3

Хильма аф Клинт (шведка, 1862–1944)

Только когда в Музее Гуггенхайма был проведен крупный обзор ее работ, Хильма аф Клинт наконец получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были завершены за несколько лет до работ Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. С октября 2018 года по апрель 2019 года выставка « Hilma af Klint: Paintings for the Future » представляла собой множество больших, ярких, несколько волшебно выглядящих абстрактных работ и остается самой посещаемой выставкой Гуггенхайма за всю историю.

Родившаяся в Стокгольме, аф Клинт посещала городскую Королевскую академию изящных искусств, которую окончила в 1887 году и впоследствии стала широко известна своими фигуративными работами и работала секретарем Ассоциации шведских женщин-художников. В это время спиритуализм и теософия набирали силу, поскольку люди, в том числе аф Клинт, искали способ примирить религию со многими последними научными достижениями. Эти системы верований вдохновили ее на первую большую группу непредметных, необъективных работ. Звонил Картины для храма, 193 картины были созданы между 1906 и 1915 годами и исследовали дуалистическое восприятие творения, эволюции и вселенной. Аф Клинт, предназначенный для установки в спиральном храме, распорядился, чтобы работы не демонстрировались до 20 лет после ее смерти. Эти картины, наряду с некоторыми из ее более ранних произведений, составляли основную часть выставки в Гуггенхайме — спиральном святилище само по себе.

На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, № 7, Взрослость (1907 г.).

Getty Images

Advertisement — Продолжить чтение ниже

4

Джорджия О’Киф (американка, 1887-1986)

Основополагающая фигура американского модернизма, в 1915 году Джорджия О’Киф была одним из первых американских художников, создавших чисто абстрактное произведение искусства, в отличие от доминирующего движения американского реализма. В Music, Pink and Blue из 1918 года О’Киф абстрагирует цветочный сюжет с помощью экстремальной обрезки, создавая арку из разноцветных лепестков, которые гудят с музыкальной энергией, подсказанной названием. Теории русского художника Василия Кандинского отчасти вдохновили О’Киф исследовать «идею о том, что музыку можно превратить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних отсылок.

На снимке: О’Киф позирует с Pelvis Series Red with Yellow (1945) в Альбукерке, Нью-Мексико, 1960 год. с Гарлемским ренессансом Августа Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве. Родившаяся недалеко от Джексонвилля, штат Флорида, Сэвидж переехала в Нью-Йорк в 1921 году, чтобы изучать искусство в Cooper Union, опередив 142 человека в списке ожидания на место в колледже. В 1923 года Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге получила отказ из-за своей расы. Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст У. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего. из Гарлема, Гамин, принес ей широкое признание и помог ей получить стипендию для обучения в Академии де ла Гранд Шомьер, расположенной в Париже, где она выставляла свои работы и получила множество наград. Сэвидж вернулся в США в 1931 и открыла Savage Studio of Arts and Crafts, которая в 1932 году стала Центром искусств сообщества Гарлема. Два года спустя она стала первой афроамериканской художницей, избранной в Национальную ассоциацию женщин-художников и скульпторов. Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы — она была одной из четырех женщин, получивших заказ на Всемирной выставке 1939 года, — и посвятила свое время обучению искусству окружающих.

На снимке: Огаста Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, 19 лет.38.

Getty Images

6

Фрида Кало (Мексика, 1907-1954)

Яркие автопортреты Фриды Кало с ее культовыми смелыми монобровями и усами однажды были описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «ленты [s ] вокруг бомбы». Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В «Двух Фридах (Las dos Fridas)» 1939 года, завершенных вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две свои личности — одну в традиционном костюме техуана с разбитым сердцем, а другую в современной одежде, независимую, с полным сердцем. Постоянное переделывание и наслоение Кало собственной личности было важным предшественником политики идентичности и продолжает вдохновлять художников сегодня.

На фото: Фрида Кало, The Two Fridas (Las dos Fridas) (1939), на выставке в 2007 году.

Getty Images

Реклама — Продолжить чтение ниже

Луиза Буржуа родилась в Париже в семье, занимавшейся реставрацией гобеленов, и выросла, помогая им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах. Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась к искусству, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры. Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась с абстрактными экспрессионистами и исследовала в своих работах такие темы, как одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное.

В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа наконец-то получила возможность проявить себя, когда в Музее современного искусства была представлена ​​ретроспектива ее работ, на которой были представлены искаженные человекоподобные фигуры, подвешенные к проводам; тканевые творения из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которыми ее больше всего помнят сегодня.

На снимке: Луиза Буржуа, Maman (1999 г.), сфотографирована в Гамбурге, Германия, в 2012 г.

Getty Images

8

Агнес Мартин (канадка, 19 лет)12-2004)

Агнес Мартин, часто ассоциируемая с минималистским движением, существовала в своей собственной лиге и не поддается простой категоризации. Сильно личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины приходят к ней полностью сформированными, размером с почтовые марки, которые она переводит на крупномасштабные холсты. Блестящая золотая икона, Дружба 1963 года, является потрясающим примером оригинальной сетки художника. Тонко прочерченные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при ближайшем рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством — воплощение трансцендентного спокойствия. Ретроспектива работ Мартина открывается в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке в октябре 2016 г.

На снимке: Агнес Мартин, Friendship (1963), на выставке Tate Modern в Лондоне в 2015 году. за свои сюрреалистические работы Леонора Кэррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфанта в Лондоне. В том же году она посетила Международную выставку сюрреалистов и увлеклась работы немецкого художника Макса Эрнста. В следующем году они встретились на вечеринке и закрутили короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден бежать от преследований. Он бежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.

Вскоре после того, как они расстались, Кэррингтон была госпитализирована с психическим расстройством и лечилась сильнодействующими препаратами. После освобождения она бежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество. Ее очень автобиографические картины содержат отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображая фантастических существ и преследующие сцены. В 70-х она стала участником женского освободительного движения и разработала плакат под названием «9».0184 Mujeres Conciencia, за это дело в 1973 году. В 1986 году она получила Премию за выслугу на съезде Женского собрания за искусство в Нью-Йорке за приверженность своей политической работе.

На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуайна (1959).

Getty Images. то, что на первый взгляд кажется картиной Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой формы и приемы оригинала заимствованы с пугающей точностью. С 1964 года Стертевант использовала работы своих современников-мужчин, чтобы подвергнуть сомнению гендерную иерархию, оригинальность и авторство, а также структуры искусства и культуры. На самом деле Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего производителя экранов для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он говорил людям «спросить Элейн».

На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), проданный Christie’s в 2015 году.

Christies Images/Bridgeman Images

11

Бетье Саар (американка, 1926 г. р.) сфера современного искусства. Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончила в 1947 году со степенью в области дизайна, но со страстью к гравюре. В 1967 году она посетила выставку скульптора по найденным предметам Джозефа Корнелла, которая радикально повлияла на ее творческую траекторию. Она начала выстилать коробки для сборки своими собственными отпечатками и рисунками и заполнять их найденными предметами, создавая предметы, посвященные расе и текущим событиям.

После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего в 1968 году ее работа стала более откровенно политической и экстремальной. В 1970-е годы Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и озвучить опыт черных. В ее самой известной работе, «Освобождение тети Джемаймы » (1972), изображена кукла-мама, вооруженная винтовкой и гранатой, готовая бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежительными стереотипами, навязанными чернокожим американцам. Как объяснил Саар: «Моя цель как художника — создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга — это буквально спектр цветов, а духовно символ надежды и обещания».

На фото: Бетье Саар, Brides of Bondage , на выставке в колледже Сэддлбэк в Мишн-Вьехо, Калифорния, 1998 год. Картина « Горы и море, » 1952 года сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля. В первую очередь колорист, Франкенталер выливал банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитываться в основу, образуя аморфные формы. Будучи женщиной абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась сквозь движение, в котором доминировали мужчины, и позволила услышать свой собственный уникальный художественный голос. Ее работы в настоящее время являются частью давно назревшей выставки под названием «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Художественном музее Денвера в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.

На фото: Хелен Франкенталер c. 1956.

Getty Images

Advertisement — Continue Reading Below

13

Яёи Кусама (яп., род. 1929)

1960-х и продолжает раздвигать границы искусства — даже в моде благодаря недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «хэппенинги» в 1960-х годах были новаторскими, в частности, Сад Нарцисса 9.0185 от 1966 года, которую художник исполнил на мировой сцене на Венецианской биеннале. Спонсируемый коллегой-художником Лучио Фонтаной, Кусама собрал 1500 серебряных шаров — трехмерных точек в горошек — на лужайке и предложил их для продажи посетителям по 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализации мира искусства.

На фото: Яёи Кусама, Narcissus Garden (1966), на выставке в Chatsworth House в Чатсуорте, Англия, в 2009 году.

Getty Images

14

Джуди Чикаго (американка, 1939 г. р.)

Отдавая дань уважения выдающимся женщинам в истории, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго ушла значительно дальше во времени, чем Париж конца 18-го века. В Званый ужин с 1974 по 1979 год в Чикаго была создана культовая инсталляция, посвященная 1038 женщинам в истории, с вышитыми входными знаменами, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервировкой для 39 женщин, с гостями, начиная от Изначальной Богини. в Джорджию О’Киф. В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданным в ключевой период 19-го века.70-е годы, когда женщины-художницы вплотную занялись гендерными вопросами.

На фото: Джуди Чикаго, Званый ужин (1974-1979), Бруклинский музей.

Дональд Вудман

15

Марина Абрамович (серб, 1946 г. р.)

Марина Абрамович, самопровозглашенная бабушка исполнительского искусства, совершенствует свою практику более пяти десятилетий. Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих родителей, тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.

Она начала изучать искусство перформанса в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратившись в медиума, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией. Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, состоящая из длинных рутин, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует такие темы, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.

В 1976 году Абрамович начал сотрудничать с немецким художником Улаем, и они оставались творческими и романтическими партнерами до 19 лет. 88 лет, когда она обнаружила, что он изменил ей. В 2010 году Абрамович поставил перформанс на выносливость в Музее современного искусства под названием «Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела на одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго поучаствовать в молчаливых встречах. Удивив Абрамович и тронув ее до слез, Улай сел с другой стороны стола, и они разделили трогательный момент после более чем 20-летнего молчания.

На фото: Марина Абрамович исполняет Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.

Getty Images

Advertisement — Продолжить чтение ниже

16

Адриан Пайпер (американец, 1948 г. р.)

«Дорогой друг, я черный. Я уверен, что вы не осознавали этого, когда делали/смеялись/согласились с это расистское замечание», — говорится в книге Адриана Пайпера My Calling (Card) #1 с 1986 по 1990 год. В ней 9В серии 0382 Мифическое существо Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, разоблачая абсурдность стереотипов общества.

Будучи светлокожей чернокожей художницей, ее конфронтационные работы остаются чрезвычайно пророческими и значимыми сегодня, заставляя нас подвергать сомнению социальную иерархию и восприятие идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале ^{в 2015 году за свою работу.0192 The Probable Trust Registry , который состоит из киосков корпоративного вида, где посетители могут подписать контракты, соглашаясь жить в соответствии с набором правил, поощряющих личную ответственность.}

На снимке: Адриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году. Фотореалистичные работы Минтера обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов. Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленку, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее окончательная картина.

Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать безвкусные сцены, связанные с женским домашним хозяйством, такие как кухонный пол и различные продукты питания. В 80-х она сосредоточила свой объектив на более чувственных темах, а именно на женском теле и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были — и остаются — окутаны публичным дискомфортом. Сочетая в себе элементы изящной фэшн- и бьюти-фотографии и яркие рекламные образы, работы Минтера сопоставляют понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепительные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желательными реалиями (потом, слюной, волосами и грязью).

На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009), на выставке в своей студии в Нью-Йорке в 2009 году. Pictures Generation, группа американских художников начала 70-х, которые были известны своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие пол и идентичность. Работая режиссером, визажистом, парикмахером, стилистом, моделью, сценографом и фотографом, художница превращается в сложных персонажей и снимает себя в не менее сложных сценах.

После окончания Университета штата Нью-Йорк в Буффало Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа. Вскоре после прибытия она начала работать над кадрами из фильма без названия (1977-80), своей ставшей культовой серией, в которой она появляется во множестве обличий и настроек, изображая женские стереотипы, встречающиеся в кино и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наиф . С тех пор она продолжала перевоплощаться во множество персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.

На протяжении своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper’s BAZAAR . В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля для сатирической статьи в мартовском номере Bazaar .

На фото: Синди Шерман, Untitled #414 , (2003), на выставке в Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.

Getty Images

Advertisement — Продолжить чтение ниже

19

Ширин Нешат (иранка, родилась в 1957 г.)

Ширин Нешат родилась в Казвине, Иран. В 1974 году Ширин Нешат переехала в Соединенные Штаты, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли. получив степень бакалавра и магистра изящных искусств в 1983 году. Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк, где проработала 10 лет в Магазине искусства и архитектуры. Только вернувшись в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.

Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин. Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными, и в моем личном случае родиться в Иране, стране, которая подорвала основные права человека, особенно после исламского революции, я неудержимо стремился к созданию искусства, связанного с проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости. Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечности».

Ее первые видеоинсталляции — Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) — исследовали гендер и общество, в частности ограничения исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм « Махдохт » (2004 г. ), основанный на романе Шахрнуша Парсипура « женщины без мужчин, », аналогичной теме. Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свою работу, в том числе Международной премии на Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру на Венецианской биеннале 2009 года.Венецианский кинофестиваль.

На снимке: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 г. подробные интерьеры, посвященные таким темам, как сексуальность, раса, красота и гендер, и исследуют, как представление женщин в популярной культуре влияет на наше определение женственности. Используя стразы, которые служат аналогией женственности, Томас привлекает внимание к определенным компонентам своих изделий (волосы, обувь и т. д.) и просит зрителей задуматься о том, что обычно характеризует женственность.

Вдохновленная множеством течений, включая импрессионизм, кубизм и дадаизм, художница часто ссылается на фигуративные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая героинь в популяризированных ею позах.